Art, exposé: In Series supprime les conventions et touche un point sensible

Mezzo Elizabeth Mondragon, à gauche, contrebasse John T.K. Scherch et l'actrice Nanna Ingvarsson dans Viva V.E.R.D.I. : La fin promise au Théâtre Source. (Colin Stanley Hovde)

Par Anne Midget Critique de musique classique 9 septembre 2018 Par Anne Midget Critique de musique classique 9 septembre 2018

Nous avons réussi à momifier le grand art. Notre musique classique, notre théâtre classique, nos œuvres d'art de maîtres anciens sont présentés dans un tel halos de sainteté qu'il est difficile de les appréhender comme les choses émouvantes et vitales qu'elles sont. Ceux d'entre nous qui sont habitués aux pièges ont tendance à oublier l'artifice - jusqu'à ce que quelqu'un arrache les attaches de la momie et présente la réalité immédiate sanglante que cet art avait quand il était nouveau : quand il était provocateur, inconnu, quelque chose que vous pourriez ne pas aimer. Timothy Nelson, le nouveau directeur artistique de la série In, a réussi à le faire avec ses débuts en compagnie, Viva V.E. R. D. I.: The Promised End, réalisé par Steven Scott Mazzola, qui a ouvert une tournée de deux semaines au Source Theatre samedi soir.

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Attention, certaines personnes pourraient détester cette pièce. En effet, quand je le décris, cela ressemble à de la parodie. Il présente une actrice jouant Giuseppe Verdi et King Lear (les deux en même temps) dans un monologue Nelson créé en combinant des extraits de la pièce de Shakespeare et d'autres sources. Tout cela est juxtaposé à une interprétation complète du Requiem de Verdi avec un pianiste et huit chanteurs en costume d'époque de 1901 (l'année de la mort de Verdi), qui interprètent la musique comme ils chantent, prenant moins de personnages que d'émotions humaines. La musique noie souvent l'actrice, et parfois vice versa.



Je suis entré armé à la fois d'espoir et de scepticisme. J'étais très intéressé de voir ce que Nelson, qui dirigeait l'intrigant American Opera Theatre de Baltimore, apporterait à la série In, qui a été pendant près de quatre décennies un travail d'amour pour sa fondatrice aujourd'hui à la retraite, Carla Hübner. Mais je n'étais pas sûr de l'efficacité du traitement de collage de Verdi ou de Shakespeare.

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Ce que j'ai vu s'est avéré moins avant-gardiste ou expérimental que ce à quoi je m'attendais : la musique n'était pas du tout un collage (à part une itération de Va pensiero, le chœur de Nabucco, chanté au début, avant le début du Requiem). Mais ce à quoi je n'étais vraiment pas préparé, c'était l'impact viscéral que cela avait sur moi de m'asseoir dans un petit espace et d'avoir cette musique puissante et bien-aimée sur mon visage, jouée par des gens qui exploitaient à la fois le sens dramatique et musical de chaque ligne, résultant en une franchise émotionnelle qui a contourné la raison ou l'analyse.

Cela m'a rappelé deux autres expériences : l'époque où l'Orchestre symphonique de l'Université du Maryland a joué de mémoire l'Après-midi d'un faune de Debussy et le Printemps des Appalaches de Copland, se déplaçant sur la scène pendant qu'ils se produisaient. Ici comme là-bas, un nerf brut de la musique a été exposé et posé directement sur mes propres nerfs, et je me suis retrouvé à lutter contre les larmes sans pouvoir dire entièrement pourquoi.

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Je déteste même entrer dans un discours critique sur lequel des chanteurs était le meilleur ou le pire, car j'ai fini par les aimer tous pour des raisons différentes (en particulier les quatre femmes, les sopranos Teresa Ferrara et Natalie Conte et les mezzos Anamer Castrello et Elizabeth Mondragon), et parce qu'il s'agissait de quelque chose de bien plus important que de savoir si moi ou n'importe qui d'autre allions analyser la perfection musicale ou jouer au gotcha sur un lapsus occasionnel. C'est déjà un éloge de dire qu'ils ont rendu justice au Requiem, qui est un sacré chant même lorsque vous n'interagissez pas les uns avec les autres, une actrice ou des membres du public. Parfois, ils ont divisé les lignes de solo de sorte que l'air du ténor Ingemisco soit partagé phrase par phrase entre Brian Arreola et Peter Burroughs, parfois simplement en échangeant pour que chaque basse, Bryan Jackson et John T.K. Scherch, a son propre air. Paul Leavitt, le directeur musical, a exécuté son propre marathon, jouant toute la partie de piano et dirigeant quand il avait une main libre. Et la performance de l'actrice Nanna Ingvarsson a été un tour de force. Elle, Mazzola et les chanteurs ont travaillé avec le cadre de Nelson pour créer un récit clair, de sorte que les mots et la musique mènent d'un espace émotionnel à un autre - comme lorsque, après la fin fracassante du Dies Irae, Ingvarsson a décrit un lever de soleil afin que le mouvement suivant, le L'offertoire, a commencé, littéralement, sous un autre jour.

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La pièce avait certainement ses longueurs : il y a eu des moments où je me suis demandé comment l'équipe créative pouvait éventuellement maintenir l'intensité émotionnelle à travers certains des passages musicaux les moins puissants. Mais il a constamment retenu mon attention et soutenu ses objectifs. Je n'ai aucune idée de comment cela pourrait frapper d'autres personnes - soit ceux qui aiment le Requiem autant que moi, ou ceux qui rencontrent la musique pour la première fois et vivent cette performance principalement comme une œuvre théâtrale. Certes, le public de la soirée d'ouverture a accueilli les artistes avec l'enthousiasme qu'ils méritaient.

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L'art est naïf. Il y a quelque chose de douloureusement innocent dans la tentative de forger une déclaration significative à partir de rien ; se lever devant des gens et chanter ou jouer ou parler de tout votre cœur, sachant que vous pouvez avoir l'air idiot, sachant que vous pouvez échouer de façon spectaculaire. Nos grandes institutions, les puissants chœurs et orchestres et théâtres qui offrent Verdi Requiems et King Lears, nous isolent généralement et s'isolent de ce genre d'échec : à tout le moins, ils offrent des chefs-d'œuvre établis, des œuvres au-delà de la critique. Il n'est pas facile de remettre ces œuvres entre les mains des individus et de leur permettre une nouvelle audition, avec toute la vulnérabilité et le risque que cela comporte. Cette pièce, pour moi, a fait cela et a dit quelque chose d'important sur l'art dans le processus. Quoi que vous en pensiez, cela signale une nouvelle présence significative sur la scène DC, et j'ai hâte de voir ce que cette petite entreprise entreprenante a à offrir.

'Viva V.E. R. D. I. : La Fin Promise' se poursuit à la Source jusqu'au 23 septembre.