Galeries de la région de D.C. : « What's Up », « Common Ground », « Portico », « Energy of the Wire »

Les personnes branchées n'ont pas besoin de quitter leur domicile - ou même de poser leur téléphone - pour voir de l'art high-tech. Ainsi, bien sûr, une grande partie du travail dans What's Up: New Technologies in Art s'étend sur des processus informatiques largement disponibles. Mais l'exposition Mansion at Strathmore retire la cyber-imagerie de l'écran et la rend palpable – ou apparemment palpable – de manière fascinante.

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Chris Bathgate conçoit et construit des machines en métal brillant qui suggèrent des robots, des fusées et des turbines. Il y a du bleu et du noir dans la palette de l'artiste de Baltimore, mais le plus souvent, il utilise des couleurs argent, or, cuivre et rouge - Iron Man. Si ces mécanismes non fonctionnels ne prennent pas une forme humanoïde, leur élégance suggère un potentiel d'autopropulsion.

Moins concret mais non moins assuré, Electric Sheep de Scott Draves repousse les limites du logiciel standard. Dérivée d'un économiseur d'écran open source, la pièce s'est développée pour impliquer 450 000 ordinateurs, dont la puissance collective permet des variations infinies d'abstractions virevoltantes. Projeté sur plusieurs écrans dans une galerie obscure, le mouton gambade dans une irréalité infinie.



Alors que le projet de Draves s'étend à l'infini, R. Luke Dubois a le flair pour la compression. Mieux connu en tant que musicien expérimental, Dubois a assemblé Timelapse, une moyenne spectrale de chaque hit Billboard n ° 1 de 1958 à 2000, 857 chansons en tout. À Strathmore, il présente The Kiss, un collage de 50 scènes de maquillage cinématographiques bien connues qui réduisent les figures à des points et des lignes. Dans la tradition du Timelapse, la pièce compacte également les partitions du film dans un paysage sonore fulgurant.

Certains des autres concepts sont moins technologiques. Bryan Sullivan réalise des sculptures en enveloppant des personnages dans du ruban adhésif transparent, puis en extrayant les modèles tout en conservant leurs formes ; Joseph Corcoran travaille avec élégance le verre soufflé, un artisanat vénérable qu'il actualise avec des néons pulsants. Et une pièce, l'hommage de George Terry à feu l'artiste laser de Washington Rockne Krebs, n'était pas en service lors de ma visite. Les problèmes sont inévitables avec l'art technologique, mais la plupart de What's Up fonctionne bien, aussi bien conceptuellement qu'en réalité.

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Quoi de neuf : les nouvelles technologies dans l'art

À voir jusqu'au 2 mars au Mansion at Strathmore, 10701 Rockville Pike, North Bethesda; 301-581-5100 ; strathmore.org/fineartexhibitions

Katherine Tzu-Lan Mann & Michael B. Platt

Parmi les objets les plus discrets de l'exposition Damage Control actuelle du Hirshhorn se trouve ce rejet ultime de la collaboration artistique, le dessin presque vierge Erased de Kooning de Robert Rauschenberg. Katherine Tzu-Lan Mann adopte une approche plus douce de l'art de Michael Platt dans leur exposition coopérative à la galerie Honfleur. Comme l'indique son titre, Common Ground, Mann n'essaie pas de défaire l'œuvre de Platt. Mais elle le pousse parfois vers la méconnaissance.

Outre deux peintures solo à l'encre et à l'acrylique, l'imagerie de Mann est superposée aux tirages photo numériques de Platt. Platt dépeint souvent des nus peints sur le corps, il y a donc un lien immédiat entre son style et celui de Mann ; elle ajoute juste un autre voile aux images qui sont déjà multicouches. Mais là où Platt invoque les arts et rituels traditionnels des Africains et des Australiens indigènes, l'approche de Mann est plus abstraite, bien que parfois avec des motifs qui suggèrent des formes naturelles.

Alors que Mann's Pitch exalte la fluidité de ses riches pigments noirs et bleu foncé, les collaborations utilisent les techniques Photoshop de Platt. Imprimées sur du tissu adhésif, les grandes pièces sont lâches mais aux bords durs, spontanés mais générés à la machine. Les corps de Platt restent et les additions (et soustractions) de Mann sont évidentes. Mais dans des combinaisons aussi audacieuses que Sokna, les deux styles fusionnent exactement comme prévu.

Terrain d'entente : Katherine Tzu-Lan Mann et Michael B. Platt

À voir jusqu'au 28 février à la galerie Honfleur, 1241, chemin Good Hope. SE ; 202-365-8392; honfleurgallery.com

Nancy Agati & Rosa Spina

À l'aide de fil, de ficelle et de filet, Nancy Agati et Rosa Spina refaçonnent la broderie et d'autres arts féminins dans des expositions à Hillyer Arts Space. Le style d'Agati est plus soigné que celui de Spina, mais les deux ont fait des pièces qui se détachent du mur, défiant la primitivité des travaux d'aiguille traditionnels.

Collagiste aux tendances expressionnistes abstraites, Spina combine peinture, filaments et objets trouvés dans Energy of the Wire. L'artiste italien contraste les couleurs et les formes, associant souvent des verticales fortes à des horizontales tout aussi robustes. Bien que son Deus-Homo-Vincit place le visage de Jésus sous le point de croix, la plupart de ses pièces sont abstraites. L'énergie est ici un mot clé. Les éléments cousus de Spina dépassent souvent de la surface ou pendent sous le cadre, comme pour affirmer que la verve de l'artiste est incontrôlable.

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Bien que Ottanta Sette d'Agati soit suspendue dans l'espace, la plupart de son travail brise à peine le plan de l'image. Environ la moitié de l'exposition de l'artiste de Philadelphie se compose de toile de parachute brodée de fil métallique ; le reste est un dessin technique mixte dont les motifs complexes suggèrent la dentelle. Ces derniers sont rendus sur papier noir avec de l'encre, du graphite, de l'acrylique et des barbotines d'argile, donnant une qualité réfléchissante qui fait écho au fil métallique. Complexes et chatoyantes, des compositions aussi exquises que Basques et Delicate évoquent des fleurs, des bijoux et des galaxies ordonnées dans l'obscurité de l'espace.

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Nancy Agati : Portico Rosa Spina : L'énergie du fil

À voir jusqu'au 1er mars à Hillyer Art Space, 9 Hillyer Court NW; 202-338-0680 ; hillyerartspace.org

Robert Freeman

La plupart des peintures de l'exposition actuelle de Robert Freeman au Zenith Salon représentent des fêtards en tenue de soirée - les hommes en noir, les femmes en noir ou rouge, et la peau des deux dans de riches nuances de brun. Les fêtards semblent détendus les uns avec les autres mais un peu méfiants envers les personnes qui pourraient les regarder. Cette appréhension est explicitée dans quelques images où les hommes portent des masques ou du maquillage mime blanc. L'un est intitulé d'après le poème de Paul Laurence Dunbar qui met en garde, qu'ils ne nous voient que pendant que nous portons le masque.

Freeman tend vers de grandes compositions orientées verticalement, qu'il rend avec de larges coups de pinceau gestuels. L'affinité du Bostonien élevé à Washington pour Romare Bearden est claire, bien que l'art de Bearden ne soit qu'une des nombreuses influences. Parmi les peintures, plusieurs regardent directement leurs sujets, notamment deux portraits de femmes à la texture luxuriante rehaussés de feuilles d'or légèrement appliquées. Le plus souvent, cependant, Freeman place ses personnages à des angles, se chevauchant de manière à suggérer l'intimité et la facilité, mais aussi la prudence. Les pairs du peintre sont en grande fête, mais dans un monde imparfait.

Les coups puissants de Robert Freeman

À voir jusqu'au 1er mars au Zenith Salon, 1429 Iris St. NW ; 202-783-2963; zenithgallery.com

Jenkins est un écrivain indépendant.