Dans les galeries : les œuvres des graveurs sont tout sauf bidimensionnelles

Annie Smith. 'Potomac Prints', exposé au Black Rock Center for the Arts. (Annie Smith/Black Rock Center for the Arts)

ParMark Jenkins 22 mars 2019 ParMark Jenkins 22 mars 2019

Certains des 43 graveurs choisis pour Ink It au BlackRock Center for the Arts refusent de se limiter aux feuilles de papier plates - ou même d'utiliser du papier. Parmi les pièces les plus puissantes de cette enquête sur les travaux récents d'artistes du Mid-Atlantic se trouve le Back Field #1, fortement noirci, de Nikki Brugnoli, qui ajoute du graphite à main levée et des gestes à l'encre de Chine à une sérigraphie sur Mylar. Pourtant, il y a beaucoup de techniques classiques exposées, comme il faut s'y attendre dans une gamme qui comprend des tirages de virtuoses locaux de la ligne tels que Jake Muirhead, Carol Moore et Eve Stockton.

La couleur peut également être fondamentale, comme dans Stockton's Burst - var. 122, un globe gravé sur bois dont l'argent métallique semble léviter au-dessus d'un champ bleu. Les tirages Potomac d'Anne Smith sont un ensemble de 20 lignes d'horizon, rendues en dégradés de couleurs. Ces quasi-abstractions sont en mode portrait plutôt qu'en mode paysage, mais peuvent être considérées comme des vues de rivière. Pourtant, l'étude de couleurs la plus vibrante de l'émission, Monotype Spheres III de Cookie Kerxton, ne révèle aucun autre sujet que la forme et la teinte.



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La nature est un motif fréquent, notamment dans deux gravures très peuplées : les Tremblers bruns de Guadeloupe de Veronica Barker-Barzel, représentant une volée d'oiseaux étroitement groupés ; et Second Growth de Richard Hricko, qui place le spectateur presque à l'intérieur d'un fourré dense. L'assortiment comprend des représentations conventionnelles de personnes, mais plus intrigantes sont des images dans lesquelles les vêtements suggèrent des figures manquantes : Extra Buttons de Pauline Jakobsberg, un vêtement en papier sur un vrai cintre en métal ; et The Way My Garden Grows d'Amy Helminiak, qui plante deux sous-vêtements au milieu de fleurs pour représenter l'identité transgenre.

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Sélectionnées par le conservateur du Smithsonian American Art Museum Crawford Alexander Mann III, les œuvres représentent près d'une douzaine de techniques, dont l'impression laser. La plupart du temps, cependant, Ink It est une vitrine de l'expertise en gravure traditionnelle, quel que soit le sujet ou le thème non traditionnel.

Ink It : pratiques d'impression contemporaines Bien que le 30 mars au BlackRock Center for the Arts, 12901 Town Commons Dr., Germantown.

Karametou, Dixon et Alvarez Yurcisin

Manger ou ne pas manger n'est pas vraiment la question, sauf pour quelqu'un qui envisage une grève de la faim. Ce que les trois artistes locaux de cette exposition à la Joan Hisaoka Healing Arts Gallery demandent vraiment, c'est : Que manger ? Et quels sont les effets de ce choix ?

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Maria Karametou, organisatrice du spectacle, arrange des comestibles pour illustrer les enjeux écologiques. Des chaînes de peaux de banane noircies représentent les risques de la monoculture, tandis que des compositions florales d'écorces d'ail célèbrent l'alimentation saine de l'enfance grecque de l'artiste. Les sachets de thé imprimés d'images de mains symbolisent la perte de contact direct avec les plantes consommées, qui sont de plus en plus cueillies et transformées par des machines.

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Fabiola Alvarez Yurcisin mêle cuisine et géographie, offrant une carte de la démographie du district (au recensement de 2010), dans laquelle les différentes couleurs sont les épices, la semoule de maïs et d'autres denrées alimentaires. Plus personnellement, son ensemble de photographies représente une douzaine de tortillas, chacune agrémentée d'un nom auto-identifiant. L'autobiographie de 12 mots voyage du mexicain à l'américain en passant par l'artiste et l'immigrant.

La migration est également un thème pour Elsabe Dixon, une artiste originaire d'Afrique du Sud connue pour son travail inspiré par l'élevage d'abeilles et de vers à soie. Ses structures en forme de ruche comprennent une structure composée principalement de caoutchouc et de latex et une autre dans laquelle des cellules surdimensionnées sont remplies de ronds de pain, à l'exception d'un pain fait de cire d'abeille. Tout comme les humains, les abeilles collectent, fabriquent, stockent et transportent de la nourriture. Mais ce que Dixon appelle notre affinité inter-espèces avec les insectes n'a pas si bien fonctionné pour eux. Et la chute des populations d'abeilles est également un signe inquiétant pour notre espèce.

Elsabe Dixon, Maria Karametou et Fabiola Alvarez Yurcisin : Manger ou ne pas manger Jusqu'au 30 mars à la Joan Hisaoka Healing Arts Gallery, 1632 U St. NW

Miller & Ikard

La nostalgie est beaucoup plus élégante qu'avant, ou du moins c'est ainsi qu'elle apparaît dans le travail de Luke Ikard et Curtis Miller. Les deux artistes de Baltimore dans l'IRL de la Hamiltonian Gallery évoquent des souvenirs d'enfance, mais sous une forme simplifiée. Les jeux vidéo des années 80 et 90 inspirent Miller, dont les peintures présentent des arrangements de barres et de carreaux aux couleurs de l'ère informatique. Ikard simule des intérieurs domestiques avec des projections et des modèles de meubles imprimés en 3D, notamment des lits superposés.

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Les images de Miller sont similaires aux abstractions colorées du milieu du XXe siècle, mais avec quelques incursions en dehors des propres frontières des pièces. Plusieurs sont encadrés dans un cadre plus grand et des pigments parasites de la zone centrale fuient parfois sur la bordure intérieure blanc cassé. De telles bizarreries donnent une nature humaine aux compositions qui émulent des images faites à la machine.

Les faux meubles d'Ikard ont des lignes épurées et simples, et les formes architecturales qui scintillent sur le mur derrière les objets sont également austères et géométriques. Mais les lits, les tables et les lampes sont étrangement irréels, et les projections sont en partie déformées, comme pour indiquer des lacunes dans la mémoire de la jeunesse. Les éléments réels et virtuels se combinent pour suggérer une maison hantée équipée par Ikea.

Curtis Miller & Luke Ikard : IRL Jusqu'au 30 mars à la Hamiltonian Gallery, 1353 U St. NW.

Trix Kuijper

Les créatures étrangement séduisantes qui habitent le rez-de-chaussée de la Studio Gallery sont constituées de matériaux industriels tels que le plâtre et le ciment, mais elles semblent à mi-chemin d'un processus organique de transformation. C'est en partie parce que de nombreuses sculptures de L'art de l'improbable de Trix Kuijper ressemblent à des cocons, bien qu'avec des têtes saillantes de baby-doll. Un autre attribut commun est un front qui s'étend dans une forme incurvée qui ressemble à une corne de rhinocéros. Les créations de l'artiste de Virginie d'origine néerlandaise suggèrent une collaboration entre un fabricant de jouets et un gène-épisseur.

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La liste fantaisiste d'ingrédients de Kuijper ne répertorie pas les cornes d'animaux, mais ses concoctions incorporent des objets trouvés. Beaucoup sont en métal battu ou rouillé dont l'aspect usé complète le vieillissement simulé des surfaces blanches sur lesquelles ils sont apposés. Les ressorts servent de boucles d'oreilles et les têtes sont surmontées de boules rouges, d'un entonnoir ou d'un fil inversé et d'une paire d'aiguilles à tricoter. Un arbre pousse d'un autre crâne, faisant écho à l'imagerie surréaliste de l'une des trois images de l'artiste exposées dans l'exposition collective du sous-sol de la galerie. Qu'il s'agisse de peindre ou de sculpter, Kuijper dépeint un monde dans un flux impossible mais en quelque sorte crédible.

Trix Kuijper : L'art de l'improbable Jusqu'au 30 mars à la Studio Gallery, 2108 R St. NW.