Dans les galeries : Drames pulsants de lumière et de son

My Celestial Body de C. Tara Gladden et David Gladden, dans le cadre de l'exposition Electronic Transmissions à Civilian Art Projects au Studio 1469 dans le district. (C. Tara Gladden et David Gladden/Civilian Art Projects)

ParMark Jenkins 12 juillet 2019 ParMark Jenkins 12 juillet 2019

Dans les peintures aux couleurs minimalistes, de minuscules variations de teinte ou de texture peuvent générer une quantité surprenante de drame. Il en est ainsi des six rectangles monochromes dans Electronic Transmissions, l'exposition de C. Tara Gladden et David Gladden à Civilian Art Projects au Studio 1469. leurs bords. Les variations tonales sont en partie dans l'œil du spectateur et en partie dans les écrans eux-mêmes.

Le couple marié, basé sur la côte est du Maryland, travaille avec la vidéo, le son et la lumière, parfois incorporés dans des objets sculpturaux. Ils prennent des images et des bruits existants et les déforment avec des synthétiseurs et des glitch boxes. Une construction empile cinq moniteurs CRT obsolètes qui vibrent avec des images de nature corrompues réglées sur des bourdonnements électroniques, rappelant à la fois les imposants assemblages multi-TV de Nam June Paik et la musique à peine là de Brian Eno.



L'intérêt des Gladden pour les cercles et le corps humain rapporte plusieurs morceaux. L'un présente une vidéo en gros plan d'un œil clignotant, et une illustration d'accompagnement présente l'œil du spectateur, reflété dans un miroir niché dans une boîte en acier. Les yeux sont parmi les parties de son anatomie que C. Tara Gladden a photocopiées pour une installation qui met en scène des collages sous lumière noire. Des lignes et des blocs unicolores sont également en feu dans la pièce, rendus avec de la peinture Day-Glo. Comme pour les vidéos monochromatiques du couple, les résultats sont d'une vitalité frémissante.

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C. Tara & David Gladden : Transmissions électroniques Jusqu'au 20 juillet à Civilian Art Projects au Studio 1469, 1469 Harvard St. NW, arrière. Le spectacle se terminera le 20 juillet avec trois sets de 20 minutes de musique d'ambiance par les artistes et deux autres interprètes, à partir de 19h30.

Lignes de force

La calligraphie chinoise est le fil conducteur qui relie les contributeurs aux Lignes de force de la CCACC Gallery. Pourtant, tous les artistes ne sont pas calligraphes, et toutes les calligraphies ne sont pas chinoises. Les textes de Myoung-Won Kwon sont en coréen, et d'autres scripts ne sont connus que des artistes qui les ont façonnés. Alors que Loi Che Chan emploie le chinois, elle fait revivre des cursives extravagantes illisibles aussi vieilles que le VIIIe siècle.

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L'exposition est née d'une exposition l'année dernière à Amsterdam qui comprenait l'artiste DC Kit-Keung Kan. Ici, lui et 10 autres personnes, cinq des Pays-Bas, présentent des œuvres individuelles et une grande collaboration qui incorpore des bannières suspendues et des vignes suspendues.

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Les vignes ont été ajoutées par Howard et Mary McCoy, qui organisent des vignes sèches en gestes apparemment calligraphiques. Hsiu-Hsuan Huang fait quelque chose de similaire avec des brindilles et des feuilles, bien que ses collages aboutissent à des photographies plutôt qu'à des sculptures. Un autre type de menuisier, Foon Sham, est connu pour ses sculptures imposantes, mais propose ici des dessins circulaires délicats qui semblent émaner de petits copeaux de bois montés sur le papier.

Plusieurs des artistes se rapprochent de la calligraphie traditionnelle. Kan brise le personnage pour la vérité et brosse les éclats sur neuf feuilles de papier. Mark van Praagh invente ses propres scripts fluides dans des œuvres qui fusionnent écriture, peinture et sculpture. Ferdinand Bertholet applique des traits noirs audacieux sur du papier de riz brun, puis déchire les feuilles et les monte pour que les cassures deviennent partie intégrante de la forme finale.

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L'espace est aussi important que l'encre dans la calligraphie asiatique, ce qui lui confère une affinité avec la peinture de paysage. Le pinceau de Rita Lewis est calligraphique, mais ses scènes de montagne injectent des couleurs vives dans un spectacle largement en noir et blanc. Hannie Vonsee combine des lignes noires avec des gestes bleus aquatiques qui flottent dans des mers de blanc. Son travail unidimensionnel évoque un sentiment d'ouverture aussi fort que la pièce collaborative qui se balance dans l'espace réel.

Lignes de force : onze artistes d'Amsterdam et de la métropole de Washington D.C. Jusqu'au 19 juillet à la CCACC Art Gallery, 9318 Gaither Rd., Gaithersburg.

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Notes de couleur

Les peintres en couleurs de Washington du milieu du XXe siècle étaient connus pour la planéité de leurs images, réalisées avec des pigments dilués qui s'infiltraient dans la toile. Pourtant, parmi leurs compagnons de voyage se trouvait l'artiste alexandrine Hilda Shapiro Thorpe (1919-2000), qui est passée de la peinture à la sculpture. Son travail est l'inspiration déclarée de Notes of Color, une exposition du Washington Sculptors Group à l'Athenaeum.

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Toutes les pièces sont fixées au mur, comme des peintures, et ce n'est pas la seule ressemblance. John A. Schaffner propose une image à rayures en 3D : cinq rubans parallèles de bois courbé, chacun d'une seule teinte brillante. Kate Fitzpatrick ajoute une toile de fil à broder à une toile abstraite. Jenny Wu dispose de minuscules bandes de pigment de latex sec en motifs ondulants. Penny Jacoby applique des taches d'orange et de vert sur de la toile de jute dont les plis suggèrent le style de draperie du coloriste DC Sam Gilliam, sauf que Jacoby fixe les plis en place avec de la pâte à modeler.

La création de Jacoby est l'une des nombreuses qui peuvent être considérées comme des arrangements floraux abstraits. Lynda Smith-Bügge utilise des feuilles de cuivre pour accentuer l'intérieur des pétales en bois noir. Les fleurs de Steve Wanna sont faites de cire synthétique et placées dans des boîtes carrées qui contrastent avec les formes organiques. Marilyn Geldzahler niche des boutons de porcelaine dans des tas de terre et de brindilles.

Il y a une pince en forme de crabe dans Animal/Vegetable de Craig Schaffer, en acier peint, tandis que Raspberry de Marja Ponkka-Carpenter organise des cônes en tissu rouge dans un format circulaire. La pièce est un exercice équilibré de couleur et de forme, mais aussi une simulation succulente.

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Notes de couleur : le Washington Sculptors Group Jusqu'au 21 juillet à l'Athenaeum, 201 Prince St., Alexandria.

Quelque part entre toi et moi

Il y a des pièces remarquables dans Somewhere Between You and Me d'Olly Olly Art, mais le spectacle demande à être pris dans son ensemble. La galerie et le couloir adjacent regorgent de 120 œuvres de quatre jeunes artistes qui se décrivent comme transgenres non binaires. Parmi les objets désinvoltes regroupés par Miki Beyer, Sami Cola, Paul Karcic et Emil Melia figurent des instantanés, des notes autobiographiques manuscrites et des dessins animés hâtifs sur papier ligné.

Les élégantes photographies grand format de Karcic, qui mettent en scène le quatuor, sont les pierres angulaires du spectacle. Melia est une graveuse qualifiée dont Dual Inadequate est une vue sur écran partagé de quelqu'un (ou de plusieurs) qui fourre à la fois un caleçon et un soutien-gorge. Beyer propose une séquence photo qui met en scène une coupe de cheveux, complétée par des boucles brunes coupées, dans une pièce dont le titre indique que le but était d'irriter ma mère. Exposer ses propres cheveux pourrait difficilement être plus personnel, mais l'ambiance générale de l'émission est communautaire.

Quelque part entre toi et moi Jusqu'au 20 juillet chez Olly Olly Art, 10417 Main St., deuxième étage, Fairfax.